Alejandro Castellote, curador independente, editor, ensaísta e professor de fotografia, fala sobre a arte da fotografia.
Alejandro é um membro do Júri de Honra do concurso PHotoFUNIBER, e nesta entrevista ele explica sua experiência e motivações como fotógrafo, bem como dar conselhos para aprender a interpretar, analisar e compreender imagens.
Entre os seus muitos projetos destaca-se a direção do Festival FOCO (1985-1989), a direção artística da PHotoEspanha (1998 a 2000) ou a exposição retrospectiva de Martin Chambi no Círculo de Bellas de Madri (Itinerante para a Europa 1990-1995)
Ele também dirigiu o projeto (livro e exposição) “Espanha por meio da fotografia: 1839-2010” para a Fundação MAPFRE e a editora Taurus (2013). Em 2006 ele foi premiado com o Prêmio Bartolomé Ros para a melhor trajetória profissional na fotografia espanhola.
O que uma fotografia precisa ter para ser considerada de qualidade?
A capacidade de reter uma imagem em nossas mentes está ligada às camadas semânticas contendo e reflexões de todos os tipos que é capaz de ativar; seu potencial para estabelecer um diálogo com o espectador entre sua própria subjetividade e autor. A fotografia deve ser capaz de induzir a empatia.
Existem fotos em todos os lugares. Mas, lemos imagens e estamos prontos para entendê-las?
Vivemos em um oceano de imagens. O importante é aprender a nadar entre elas. Ou seja, para identificar criticamente o grau de probabilidade de que elas têm. Uma possível interpretação visível e significados ocultos que provocam. A ambiguidade das imagens é parte de sua essência como um meio. Sabendo como operar no presente e história enriquece a leitura crítica dos conteúdos. É essencial saber de onde elas são geradas, e de onde olhamos. Contexto social, cultural, político e econômico modifica substancialmente o ponto de vista com o qual nos relacionamos com o mundo. Precisamos refletir sobre a produção e consumo de imagens. Adoptar uma posição ‘verde’ sobre as fotografias que todos nós gerar. O mundo de hoje é representado; talvez mais relevante em alguns casos reprocessar o que já existe e não gera mais ruído visual. Vale a pena considerar por que as fotografias são necessárias: que enriquecem a nossa perspectiva sobre certas questões e que nos manipular. As imagens não são inocentes; transmitir ideologia. Nosso relacionamento com elas deve ser filtrado por um ceticismo crítico.
Como você acha que a era digital mudou o campo da fotografia?
O que mudou em muitos aspectos. Por um lado, desviou-se o foco sobre o artesanato e a alquímica, permeando o meio desde o seu início, e tem redirecionado o território da comunicação: agora as fotografias fluem e nem sempre existem fisicamente. Por outro lado, a fotografia analógica precisava de um tempo diferente do digital. O fotógrafo imaginava a imagem; seu processamento deve esperar para ver o resultado, a resposta à sua premonição. A vida também exige um tempo para dar respostas às nossas perguntas. Agora digitais, não só na produção de fotografias, ela é associada com imediatismo. Dispositivos e câmeras digitais têm uma vantagem: elas permitem corrigir erros em tempo real; sem dúvida elas garantem um resultado correto em termos formais. A parte positiva é que o espectro de usuários aumentou e ela também carrega um maior número de pontos de vista sobre o mundo; de certa forma, tornou-se muito mais democrática do que era desde o início do século XX. Não acredito que uma é melhor que a outra. É o uso que fazemos delas que mudou seu status.
Em sua trajetória, tem demonstrado grande interesse pela fotografia espanhola e latino-americana. Pode-se dizer que há um estilo próprio ou comum entre os fotógrafos latino-americanos se os compararmos com outras produções, como a americana?
Cada vez é mais complicado submeter o que é gerado em cada país ou em uma área geográfica específica a um rótulo comum. É verdade que nos últimos anos as relações entre os países latino-americanos têm aumentado, e informações sobre o que é feito em cada local é mais fluido, criando uma rede que assume a forma de vasos comunicantes em termos de influência mútua. Acontece também que muitas das questões e problemas são transversais (migração, o crescimento urbano não planejado, a corrupção, a redistribuição da riqueza …) e é normal que os artistas de diferentes países concordam em certas questões, mesmo usando soluções formais semelhantes. No século XXI, nenhum país é uma ilha. Não só estamos inter-relacionados, mas também muitas propostas artísticas surgem em diferentes continentes em termos de simultaneidade. As frequências são sincronizadas com o acesso a informações virtuais e ocorrem coincidências surpreendentes, que se tornarão mais frequentes.
O que se tornou notável é um reforço do local, talvez como uma reação às promessas associadas à globalização, que provaram ser fundamentalmente estratégias para criar mercados sem fronteiras. A utopia do global está se equilibrando com uma maior atenção ao próximo, ao subjetivo – uma variante do local – e à reivindicação de uma perspectiva ligada ao contexto do qual o artista cria seu trabalho.
Além do conhecimento, quais habilidades ou atitudes são necessárias para ser um bom profissional de fotografia?
A resposta é simples: honestidade. É fácil de enunciar, mas é difícil de representar. Tem algo a dizer e dizê-lo em profundidade, sem copiar modelos de sucesso, arriscando-se na forma, propondo imagens complexas, afastando-se da obviedade e das tautologias.
Como um jurado, quais critérios devem ser levados em conta ao avaliar uma fotografia.
Frequentemente, as disputas encorajam ou confirmam algumas tendências temáticas ou formais. Na minha opinião, os jurados devem estar cientes de que sua seleção endossa um certo estilo, mas também pode abrir as portas para propostas arriscadas que circulam contra a corrente. Os estereótipos ou soluções de recompensa mil vezes usados não contribuem em nada para o mundo da arte.